The Devil Wears Prada 2 se estrenó en salas de Estados Unidos el 1 de mayo de 2026, con el mismo director y guionista de la primera entrega — David Frankel y Aline Brosh McKenna — y con Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci retomando sus personajes originales.  La trama regresa a Andy Sachs dos décadas después de su paso por Runway: ahora es una periodista respetada, pero su redacción entera acaba de ser despedida por mensaje de texto durante una gala. Miranda, por su parte, enfrenta su propia crisis cuando un artículo mal verificado la pone en el ojo del huracán.

Los números no dejaron margen a la duda. En su primer fin de semana, la película recaudó 233 millones de dólares en todo el mundo — 77 de ellos solo en Estados Unidos y Canadá —, convirtiéndose en el cuarto mejor estreno del año.  Aproximadamente el 76% de los asistentes fueron mujeres, y tres de cada cuatro aseguró que definitivamente recomendaría la película.  Las expectativas ya eran altas desde semanas antes: el consumo en streaming de la primera película creció un 428% entre marzo y abril, según Nielsen.

La banda sonora también generó conversación propia: Lady Gaga y Doechii grabaron juntas el tema original “Runway”, lanzado como sencillo en abril y que aparece en la película.

Veinte años después, la secuela demuestra algo que pocas franquicias logran: que algunos personajes no envejecen, simplemente evolucionan. Miranda Priestly no necesitaba regresar. Pero cuando lo hizo, todos volvimos a sentarnos derechos.​​​​​​​​​​​​​​​​

Pero el diagnóstico falló en algo: subestimó que la gente no iba al mall solo a comprar.

Hoy, plazas como Perisur, Parque Delta o Antara en la CDMX están volviendo a llenarse, y no necesariamente por las tiendas ancla. Lo que los convoca es otra cosa: una cafetería con buena luz para trabajar, un evento temporal que vale la foto, un espacio para caminar sin destino fijo en una ciudad donde eso cada vez es más difícil.

El fenómeno tiene lógica. Después de años de hiperconexión digital —plataformas, notificaciones, scroll infinito—, el espacio físico compartido ofrece algo que la pantalla no puede: presencia. Estar en un lugar, con personas reales, sin que nada te pida que hagas clic.

Los malls más inteligentes ya lo entendieron y dejaron de competir contra el e-commerce. En su lugar, apostaron por arquitectura que valga la pena recorrer, experiencias visuales diseñadas para redes, y una programación de eventos que convierte la visita en algo más que una transacción. La tienda es el pretexto. El plan es otro.

Las llamadas digicams —esas cámaras compactas de Canon, Sony, Fujifilm o Nikon que vivieron su auge entre 1999 y 2008— se han convertido en objeto de culto entre menores de 30 años. Según datos de la plataforma Wallapop, entre 2021 y 2024 las búsquedas de cámaras digitales crecieron un 600%; en la primera mitad de 2025, la tendencia se mantuvo sostenida, y modelos icónicos como la Fujifilm Finepix registraron incrementos de precio de hasta un 336%.

La razón no es técnica. El sensor de cualquier smartphone de 2026 produce imágenes técnicamente superiores. Pero ningún filtro de Instagram replica del todo el look específico de una digicam de 2005: el flash directo, los colores saturados, el viñeteado, la resolución limitada. Esa imperfección es precisamente lo que se busca.  La industria ya lo notó: Canon respondió aumentando su producción de cámaras compactas en un 50% para 2026, con al menos tres nuevos modelos en camino.

En el fondo, lo que está pasando es más interesante que una moda: es una generación eligiendo deliberadamente lo imperfecto en un entorno donde todo ha sido optimizado para verse igual de bien. La imperfección, resulta, también tiene su estética.

Pero la moda tiene memoria y ciclos, y el regreso de la formalidad llegó sin pedir permiso. La tendencia conocida como office core —o corp core, como también circula en redes— lleva meses consolidándose en pasarelas y TikTok. El hashtag #officecore acumula más de 700 mil vistas solo en Estados Unidos, y la estética se define por contrastes: pantalones de corte amplio con blazers oversize, camisas asimétricas, siluetas que reinterpretan el poder corporativo con un giro contemporáneo.

En las pasarelas de París, el regreso al office dressing fue uno de los movimientos más comentados de la temporada otoño 2025, con casas como Stella McCartney y Saint Laurent apostando por el traje como eje de la colección.  Para diseñadoras que trabajan en moda corporativa, el poder del suiting va más allá de la estética: es una forma de ocupar espacios y proyectar autoridad.

Lo interesante es que la tendencia no vive solo en oficinas. Los jóvenes la llevan a la calle mezclando piezas formales con sneakers, audífonos y referencias de streetwear, convirtiendo la estética corporativa en identidad visual. La oficina dejó de ser un lugar. Se volvió un lenguaje.

Bajo la gestión de Adrián Rubalcava, el sistema ha impulsado una serie de intervenciones que van más allá del mantenimiento rutinario: iluminación que transforma la percepción de los espacios, señalética que por fin dialoga con quien la lee, y propuestas visuales que buscan convertir el trayecto cotidiano en algo que valga la pena recorrer.

Lo que está en juego no es solo infraestructura. El Metro es un archivo vivo de la identidad urbana de la CDMX: murales que cuentan historia, una tipografía que ya es patrimonio, iconografía de estaciones que generaciones enteras aprendieron antes de saber leer un mapa. Modernizarlo sin borrar esa carga simbólica es el reto más delicado de cualquier gestión.

Porque en una ciudad que se mueve tan rápido como esta, la arquitectura no siempre se elige. A veces simplemente se vive, todos los días, sin que nadie te pregunte si estás de acuerdo.

Lo que está pasando tiene nombre: el fútbol dejó de ser solo deporte para convertirse en lenguaje visual. Los jerseys de selección, los pants técnicos y los sneakers con ADN futbolero llevan meses migrando del camerino al guardarropa cotidiano, mezclándose con prendas de lujo y referencias de streetwear sin que nada se sienta forzado.

Tres tendencias marcan el movimiento. El athleisure elevado, esa mezcla de prenda deportiva con pieza formal que ya no busca disculparse por ser cómoda. La identidad nacional como declaración estética, porque llevar los colores del país en 2026 es mucho más que fervor: es un statement de pertenencia. Y el jersey retro como objeto de culto, porque hay camisetas de los noventa que hoy se cotizan más que cualquier prenda de temporada.

El fenómeno no es espontáneo. Las grandes marcas llevan años entendiendo que un Mundial no solo se transmite, también se viste, y sus colaboraciones con clubes y selecciones lo confirman. En 2026, el fútbol no solo se jugará en México. Se va a notar en cómo salimos a la calle.

La exposición central se titula “Costume Art” y su premisa es explorar la intersección entre la indumentaria y el arte, yuxtaponiendo prendas con obras de la colección del museo para iluminar nuevas conexiones.  El dress code oficial para los asistentes es “Fashion Is Art”, una invitación abierta a la reinterpretación. La muestra reúne alrededor de 400 prendas, accesorios y obras de arte organizadas en categorías corporales —como “el cuerpo en el embarazo”— y será la primera exhibición en las nuevas Galerías Condé M. Nast del museo, que abren al público el 10 de mayo.

La co-conducción del evento recae en Beyoncé, Nicole Kidman, Venus Williams y Anna Wintour , mientras que el comité anfitrión incluye nombres como Zoë Kravitz, Sabrina Carpenter, Doja Cat y Sam Smith, entre otros.

La gala de este año tiene una carga simbólica doble: intenta reivindicar la moda como lenguaje artístico legítimo, al tiempo que enfrenta cuestionamientos éticos que la convierten, quizás sin quererlo, en el espejo más honesto de su propia contradicción.